LA OBRA DE ARTE. ANALISIS

1. LA NOCHE ESTRELLADA- VICENT VAN GOGH

CONTEXTUALIZACION:

Es un cuadro afamado del siglo XIX, pintado por el pintor holandés Vicent Van Gogh cuando estaba alojado en un manicomio ubicado en Saint Remy, Francia.

Aunque fue pintando de día, es de verdad la vista que tenia Van Gogh desde la ventana de su cuarto allí. En la actualidad, se guarda en el museo de Arte Moderno, Nueva York ha estado desde 1941

Van Gogh era un pintor pos-impresionista, lo cual se diferenciaba del impresionismo en la manera en que los pintores percibían el arte.

Creían que el arte no debía imitar la realidad si no que debía reflejar la percepción subjetiva del autor que la experimentaba. Como consecuencia el arte por-impresionista no se definía por un estilo especifico sino por la personalidad del autor.

TÉCNICA:

Fue pintado en Oleo

SOPORTE:

sobre lienzo 

ESTILO:

Pinceladas pesadas

El azul domina la pintura, mezclando colinas con el cielo. El pequeño pueblo se encuentra en la base de la pintura en tonos marrones, grises y azules. Aunque cada edificio está claramente delineado en negro, el amarillo y el blanco de las estrellas y la luna se destacan contra el cielo, atrayendo los ojos hacia el cielo.  Son el gran capturador de atención de la pintura

Los trazos se separan o se diferencian así:

Para el cielo se arremolinan, con un toque de color rodando con las nubes alrededor de las estrellas y la luna. Sobre el ciprés se doblan con la curva de las ramas. Todo el efecto es etéreo y de ensueño. Las colinas bajan fácilmente hacia el pequeño pueblo de abajo. En contraste, la ciudad es recta hacia arriba y hacia abajo, hecha con líneas rígidas que interrumpen el flujo de los trazos de pincel. Pequeños y pequeños árboles suavizan la inflexibilidad de la ciudad. Llevando la naturaleza a lo antinatural de los edificios.

CONTENIDO:
Es un tema Religioso 

muestra un cielo con dos espirales nebulosas que se abrazan una a la otra creando la sensación de movimiento y fluidez. En el cielo nocturno, junto con las once estrellas con halo propio y exagerado, se encuentra en la esquina superior derecha una luna creciente de tonos amarillentos igualmente luminosa, dando la impresión de un sol en vez de una luna.

Los elementos internos del cielo nocturno de La noche estrellada han sido analizados exhaustivamente, especialmente la estrella más luminosa del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta Venus.

La torre de la iglesia y el ciprés son los únicos dos elementos que apuntan hacia el cielo. Representan el gran poder de la naturaleza, a la que ovacionan.

2.LA ULTIMA CENA- LEONARDO DA VINCI

CONTEXTUALIZACION:

Es una pintura mural realizada entre los años 1495 y 1498 por el multifacético Leonardo da Vinci (1452-1519). Fue encargada por Ludovico Sforza para el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia. Leonardo no cobró por ella. La escena recrea la última cena de Pascua entre Jesús y sus apóstoles, a partir del relato descrito en el evangelio de Juan, capítulo 13.

TÉCNICA:

Pintado en Oleo

SOPORTE:

Enlucido de Yeso 

ESTILO:

Este utiliza principalmente cuatro colores, combinados y desarrollados en muchas tonalidades. Por un lado, usa principalmente los azules y rojos para representar los ropajes de los personajes, mientras que el blanco y el negro se reservan para destacar la iluminación y el sombreado de la obra, además de para resaltar los elementos arquitectónicos. Debido al paso del tiempo, “La Última Cena” ha sufrido un importante deterioro, aclarando y difuminando los colores de la pintura, por lo que muchos de los detalles de la obra pueden haberse perdido

CONTENIDO:

Podemos observar que esta organizada por figuras geometricas . En la obra se identifican tres planos de profundidad: la escena de la eucaristía, las paredes del local y el paisaje que se observa a través de las ventanas. Esto se utiliza para añadir una sensación de profundidad, aunque el valor y el mensaje de la escena se localiza exclusivamente en el primer plano, siendo el resto utilizado únicamente para dar profundidad a la obra (a través de una perspectiva lineal obtenida usando los elementos decorativos arquitectónicos) y como elemento decorativo (los artístas de la época representaban frecuentemente elementos arquitectónicos en sus obras). Jesucristo se encuentra en el centro de la imagen, sirviendo como eje de la escena y dividiéndola en tres áreas de manera vertical. La figura de Cristo aparece en forma piramidal, con la cabeza ligeramente ladeada y los brazos extendidos hacia adelante, destacando aún más los valores geométricos utilizados. Los apóstoles se encuentran en los extremos del cuadro, seis discípulos en cada uno. Muchos son representados hablando entre sí o mirando a Jesús con expresión sorprendida. A la izquierda encontramos a Bartolomé, Santiago el Menor, Andrés, Judas Iscariote, Pedro y Juán, mientras que a la derecha encontramos a Simón, Santiago el Mayor, Mateo, Felipe de Betsaida, Judas Tadeo y Tomás. Al contrario que Jesús, que se encuentra en una posición estática, los apóstoles son representados de forma animada, algunos de ellos incluso se levantan de sus asientos tras recibir la noticia de la traición. Judas Iscariote aparece representado sujetando una pequeña bolsa, la cual contiene las treinta piezas de plata por las que el apostol traicionó a Jesucristo. Todos los personajes aparecen de frente, en el lado opuesto al observador. En la mesa encontramos la cena, en la que se representan platos con pan y peces, además de copas con vino, elementos muy importantes en la iconografía cristiana. La representación anatómica de los cuerpos es correcta, dibujándose a la mayoría de los personajes a medio cuerpo, estando la parte inferior oculta tras la mesa. El autor no idealiza los cuerpos, algo común en la época, prefiriendo centrarse en la representación de sus reacciones. Los personajes aparecen vestidos con telas y ropajes propios del siglo XV-XVI, moda procedente del mundo flamenco, ya que las obras de arte flamencas destacan mucho los ropajes debido a la importancia del comercio textil en el norte de Europa. Para la representación de las luces y las sombras, Da Vinci utiliza dos fuentes de luz: las ventanas en segundo plano y una fuente de luz situada en la posición del observador, para permitir distinguir y observar los rostros de los personajes. La perspectiva aérea afecta especialmente al paisaje que se puede observar a través de las ventanas, el cual puede llevar a pensae que . Sin embargo, el autor se permite representar a Judas parcialmente ocultado y oscurecido, indicando así su terror a que su traición sea descubierta. Este elemento también sirve para separar al apostol del resto del grupo.